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Oito obras-primas de vários milhões de dólares encontradas em lugares inesperados

Oito obras-primas de vários milhões de dólares encontradas em lugares inesperados


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É impossível saber quantas obras-primas desapareceram ao longo do tempo, se foram roubadas, consideradas incorretamente destruídas ou simplesmente perdidas. As oito obras desta lista, todas avaliadas em milhões de dólares, apareceram em alguns lugares surpreendentes - garagens, sótãos e brechós - e algumas foram compradas por apenas alguns dólares.

1. Jackson Pollock de Teri Horton

Valor estimado: US $ 50 milhões Em 1991, a caçadora de pechinchas Teri Horton estava folheando uma loja de artigos usados ​​em San Bernardino em busca de um presente para um amigo. Ela encontrou uma grande tela coberta de gotas e respingos de tinta colorida e, embora a achasse feia, pagou US $ 5 pela pintura. Acontece que sua amiga também achava que era feio. Quando a amiga de Horton não conseguiu colocar a tela de 1,5 m por 1,2 m em seu trailer, Horton tentou vendê-la em uma venda de garagem. Ao ver a pintura, um professor de arte supôs que poderia ser um Jackson Pollock, ao que Horton respondeu: "Quem diabos é Jackson Pollock?" (Essa resposta brusca se tornaria o título de um documentário de 2006 sobre Horton e sua pintura.) Desde então, Horton tem trabalhado com autenticadores para provar que sua pintura é de fato do mestre expressionista abstrato. Ela está atualmente pedindo US $ 50 milhões pela pintura.

2. Negativos de Ansel Adams de Rick Norsigian

Valor estimado: US $ 200 milhõesAo visitar uma liquidação de garagem há quase duas décadas, o artista comercial Rick Norsigian comprou duas caixas de negativos de fotografia de placa de vidro por US $ 45, simplesmente porque ele foi atraído pelas imagens de Yosemite, onde ele já trabalhou. Depois de pesquisar, Norsigian percebeu que os negativos podem ser obra do famoso fotógrafo de paisagens Ansel Adams. Dezenas de profissionais se empenharam para autenticar as obras, incluindo um ex-agente do FBI, um especialista em caligrafia e um meteorologista, que comparou as nuvens nas fotos com obras conhecidas de Adams que se acredita terem sido filmadas na mesma época. Como o especialista em ônus da prova Manny Medrano, que foi contratado pela Norsigian, disse à CNN em 2010: “Mandei pessoas para a prisão pelo resto de suas vidas por muito menos provas do que vi neste caso”. Espera-se que a Norsigian fature aproximadamente US $ 200 milhões com as vendas das impressões nos próximos 25 anos.

3. O Arizona Jackson Pollock

Valor estimado: US $ 15 milhões Em junho de 2017, foi revelado que uma tela potencial de Jackson Pollock encontrada em uma garagem de Sun City, Arizona, poderia valer até US $ 15 milhões. Quando o avaliador Josh Levine estava avaliando os pertences de um homem idoso, ele começou a suspeitar que uma pintura poderia ser um Pollock. Ao longo de 18 meses, Levine gastou dezenas de milhares de dólares para autenticar a tela, fazendo a importante descoberta de que a irmã de sua dona pertencia a um círculo social artístico de elite que incluía o próprio Pollock. A pintura estava programada para ir a leilão em junho com um lance inicial de US $ 5 milhões e um valor estimado de US $ 10 milhões a US $ 15 milhões, mas a venda foi adiada indefinidamente quando os possíveis licitantes não conseguiram passar o crédito e os cheques bancários. Com duas pinturas de Pollock encontradas em locais improváveis ​​nas últimas décadas, pode ser sensato ficar de olho nas telas respingadas de sua assinatura em mercados de pulgas, vendas de garagem e brechós.

4. O Caravaggio de Toulouse

Valor estimado: US $ 136 milhões Quando um telhado com goteiras fez com que um proprietário em Toulouse, França, abrisse um sótão anteriormente vedado para reparos em 2014, houve uma grande surpresa lá dentro: uma pintura que se pensava ser do mestre barroco italiano Caravaggio. A obra retrata a cena bíblica de Judith decapitando Holofernes, um tema dramático de Caravaggio coberto em uma pintura já autenticada de 1602. Pensa-se que o artista pintou duas versões da cena, a segunda das quais ainda está faltando, mas alguns especialistas acreditam que esta obra em particular foi concluída pelo contemporâneo de Caravaggio, o artista flamengo Louis Finson. Finson era conhecido por ter pintado uma cópia da composição original de Caravaggio e, após análise cuidadosa, vários especialistas proeminentes de Caravaggio acreditam que a pintura de Toulouse é uma segunda cópia. Embora o júri ainda não tenha decidido sobre o criador da obra, o governo francês proibiu a exportação da pintura, avaliando que ela vale até US $ 136 milhões.

5. Terceiro Ovo de Páscoa Imperial de Fabergé

Valor estimado: US $ 33 milhões Enquanto algumas das descobertas nesta lista foram compradas por menos de US $ 50, o comprador anônimo desta obra de arte multimilionária pagou uma quantia bastante elevada: US $ 14.000. O comprador tinha a intenção de derretê-lo, esperando que a peça valesse literalmente seu peso em ouro. Mas depois de pesquisar o ovo, o proprietário descobriu que era o terceiro de 50 criado pelo joalheiro Peter Carl Fabergé para a família imperial russa antes que a Revolução Russa de 1917 encerrasse o reinado dos Romanov. A partir de 1885, Fabergé passaria cerca de um ano inteiro (ou mais) projetando um elaborado ovo de ouro encomendado pela família real para a Páscoa. O terceiro ovo imperial, apresentado pelo czar Alexandre III a Maria Feodorovna em 1887, foi avaliado em aproximadamente US $ 33 milhões em 2011 pelo especialista em Fabergé Kieran McCarthy, da joalheria britânica Wartski. Hoje pertence a um colecionador particular.

6. A coleção Gurlitt

Valor estimado: US $ 1,35 bilhãoEm uma das descobertas de arte mais surpreendentes do século, oficiais da alfândega e policiais alemães recuperaram 1.379 obras de arte do apartamento do colecionador Cornelius Gurlitt em Munique em 2012, com o tesouro avaliado em US $ 1,35 bilhão. O pai de Gurlitt, Hildebrand, era um negociante de arte que confiscou obras de colecionadores judeus e vendeu a arte roubada para os nazistas durante a Segunda Guerra Mundial, embora, evidentemente, ele também mantivesse muitas obras para si mesmo. As peças eram principalmente de mestres do século 20, como Pablo Picasso e Henri Matisse, considerados pelos nazistas como “artistas degenerados”, embora a coleção também incluísse uma gravura de Albrecht Dürer do século 16. Gurlitt, que faleceu em 2014, doou toda a coleção ao Museu de Belas Artes de Berna, na Suíça, que está cooperando com o governo alemão para devolver quaisquer obras adquiridas indevidamente aos seus proprietários originais.

7. O vaso chinês que quebrou recorde mundial

Valor estimado: US $ 85 milhões Ao limpar a casa de seus pais falecidos, um irmão e uma irmã britânicos anônimos descobriram um vaso chinês de 40 centímetros de altura com a imagem de um peixe. Os irmãos trouxeram o vaso, junto com outras cerâmicas chinesas, para a Bainbridges Auctions perto de Londres, onde um consultor datou a peça do reinado do imperador Qianlong do século 18 e observou um selo que sugeria que o vaso pertencia à família imperial. Estimou-se que a peça seria vendida entre US $ 1,3 milhão e US $ 1,9 milhão, mas quando atingiu o bloco em 2010, uma guerra de lances de 30 minutos viu o preço do vaso disparar. O martelo finalmente caiu em impressionantes US $ 85 milhões, estabelecendo um novo preço recorde para uma obra de arte chinesa.

8. O Risqué Tiepolo

Valor estimado: US $ 3,6 milhõesUma pintura de Giovanni Battista Tiepolo do século 18 ficou escondida no sótão de um castelo francês por dois séculos, talvez porque o tema mostrasse pele um pouco demais. O retrato, que mostra uma mulher com o seio exposto, é considerado parte de uma série encomendada pela imperatriz russa Elizabeth Petrovna, embora essencialmente nenhuma informação sobre a história da pintura exista antes de sua redescoberta na França. A pintura foi leiloada na Christie's em 2008 e vendida por US $ 3,6 milhões. Ele foi colocado em leilão novamente em julho de 2017, desta vez na Sotheby’s em Londres, onde não atingiu seu preço de venda anterior, sendo vendido por US $ 3,1 milhões.


Oito obras-primas multimilionárias encontradas em lugares inesperados - HISTÓRIA

Quando você menos espera, a arte aparece e bate na sua cabeça

Inesperadamente confrontado com a criatividade -
1. em dispositivos de segurança:

As cercas como arte (ainda não se vê nas prisões, mas é só uma questão de tempo) -

Correntes extravagantes e arame farpado:

e lindas câmeras de vigilância do tipo "irmão mais velho te ama":

Encontro inesperado com criatividade -
2. em um jardim:

Árvores de formato único

Estes troncos de árvore incrivelmente curvados são cultivados na Nob Hill Foods, Gilroy, Califórnia - um verdadeiro "Tree Circus". Axel Erlandson é o arboescultor - uma verdadeira ocupação para um homem paciente. As "esculturas" de árvores requerem podas, dobras e enxertia constantes, mantendo-se assim durante muitos anos. Veja mais exemplos incríveis nesta página.

Algumas das árvores modeladas apresentadas aqui são criações do Jardim Pooktre de Peter. Confira o site deles para mais imagens.

Claro, sempre que necessário, não hesitamos em moldar as árvores da nossa maneira radical:

Inesperadamente confrontado com a criatividade -
3. em um restaurante:

Aqui está o que um site asiático descobriu em um dos restaurantes locais. Algumas das "obras-primas" culinárias mais criativas podem ser vistas em nosso artigo Strange Food Special.

No entanto, essas esculturas de comida surreais e de vanguarda estão em uma categoria à parte. Imagine ter um jantar completo tentando explorar, dividir em tamanhos de mordida (e, finalmente, colocar na boca) essas formas de Dalí. Tempo de diversão garantido.

Veja também uma compilação de esculturas de comida muito boa nesta página. Inclui as construções mais estranhas (e de vida curta) feitas de manteiga e queijo.

Certamente, nada o impede de brincar com seus alimentos mundanos no café da manhã - como este:

Inesperadamente confrontado com a criatividade -
4. em um livro didático:

Personagens chineses se transformam em figuras humanas

Falamos sobre os códigos de barras criativos japoneses, e este exercício de design parece não ser menos - e ainda mais! - desafiador: criar figuras humanas a partir dos complexos caracteres chineses. Fazer isso em letras comuns não seria tão difícil, mas organizar padrões sofisticados de hieróglifos é um desafio completamente diferente.

Ver esses pictogramas me convence de que quase qualquer combinação de símbolos pode ser transformada e distorcida criativamente para alcançar um significado totalmente novo (mantendo o antigo significado intacto).

Criatividade inesperada -
5. em armas militares:

Mas, novamente, também existem armas feito de madeira:

Todo esse armamento artificial pode ter outra aplicação. Afinal, você confiaria na sua namorada loira para manusear a arma de verdade? Basta entregar a ela a réplica de madeira.


(foto de Mike Blake, Reuters)

Aqui está outra boa arma militar - assustadoramente eficiente:

Caças a jato japoneses - surpresa com olhos grandes!

Este não é um trabalho do Photoshop, esses jatos são do Ace Combat 6. E ainda. Os militares no Japão podem fazer algo assim, tendo lido muitos mangás no caminho para o trabalho e ficando um pouco confusos sobre a realidade:

Há algo nos olhos enormes e cílios piscando das garotas bonitas do mangá que pode chocar o inimigo em uma sobrecarga sensorial e submissão total apaixonada.

"Dark Roasted Blend" - Todos os tipos de coisas estranhas e maravilhosas, descobertos diariamente! "

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13 comentários:

Os aviões mangá são do Ace Combat 6)

Ace Combat, de fato .. Sem photoshop necessário.

A foto dos ovos com rostos que diz 'desconhecido original é de Elise Marie. Aqui está a foto em sua galeria deviantART: http://nocturnalmoth.deviantart.com/art/Enjoy-your-breakfasts-77445089

Obrigado Jam Master Ghislaine - crédito adicionado.

Sobre criatividade com caracteres chineses: Você pode se divertir com o webcomic "Sinfest" de Tatsuya Ishida. No caso dele, às vezes ele faz seus personagens de desenhos animados se transformarem em caracteres kanji. É verdade que você precisa pesquisar profundamente os arquivos, mas para aqueles que têm tempo livre, isso pode ser recompensador. Eu, pelo menos acho este webcomic muito original e tendo, ahem, personagem.

Eu ainda tenho meu
arma de escolha
da Guerra do Golfo,
um mata-moscas azul feito em Omã.

A seção de alimentos me fez pensar no seguinte:
http://www.toxel.com/inspiration/2008/05/30/incredible-sushi-art/

Não acho que as armas sejam de papir mache, mas orgami.

você deu a entender que os japoneses tinham um militar ao dizer "os militares japoneses podem ter algo assim"


O liceu

https://listverse.com/2016/06/17/10-archaeological-discoveries-that-were-made-by-pure-chance/

Aristóteles criou sua própria escola em 335 aC, chamada Liceu. Com o tempo, a escola foi perdida e os arqueólogos nunca conseguiram encontrá-la.

Permaneceu perdido até ser acidentalmente descoberto por trabalhadores que trabalhavam em um canteiro de obras para o projetado Museu de Arte Moderna.


Londres incomum: 8 lugares abandonados onde você tem que fazer uma selfie

A beleza de cada cidade velha não está apenas nas ruas centrais e nos monumentos bem conservados. Às vezes fica escondido nos lugares mais inesperados: é preciso rolar no lugar errado, pular a cerca e olhar para trás do portão que range. Nosso portal encontrou para você os cantos mais incomuns e negligenciados de Londres, onde você definitivamente deveria fazer uma foto. Pegue a câmera e vá em frente para descobrir lugares esquecidos da capital.

O Big Ben, a Abadia de Westminster, a Tower Bridge e muitos outros símbolos da cidade no Tamisa são um ímã para visitantes de todo o mundo. Fotos de pontos turísticos de Londres são definitivamente boas, mas se você está procurando algo especial, esqueça o centro da cidade.

Agora abandonado, o cinema foi construído pelo conhecido arquiteto George Coles em 1938, sua capacidade era de 2.200 lugares. Durante o bombardeio da capital em 1940, a construção foi gravemente danificada e foi usada como depósito. Depois da guerra, o cinema foi reaberto ao público, mas foi fechado em 1984. Hoje, uma parte de sua sala é usada para jogar bingo (loteria analógica). Apesar do abandono e do abandono, o edifício manteve os resquícios do antigo luxo.

Capela dos Dissidentes do Cemitério Verde

A capela protestante foi construída em 1873 e está notavelmente bem preservada até os nossos dias, assim como o cemitério onde se encontra. Também aqui você pode ver muitos periquitos, que por algum motivo escolheram este lugar.

Corpo de bombeiros na Old Kent Road

Foi construído em 1903 exatamente no mesmo local, onde desde 1868 funciona outro corpo de bombeiros. Na Idade Média, havia um poço naquele local, perto do qual os peregrinos podiam descansar e matar a sede. Desde 1971, o edifício não é utilizado para os fins a que se destina. Hoje é usado como loja de usados ​​e como sala de exposições com uma lareira antiga.

Em 1766, o canal que liga o Tamisa e Lee foi reconhecido pelo Parlamento britânico como o edifício mais antigo da cidade. Este lugar e os edifícios circundantes têm uma história incrivelmente rica. No século XVIII, esta área era considerada a capital Chinatown, onde todos os antros de ópio chineses estavam concentrados nas histórias de Sherlock Holmes. Hoje, há muitos edifícios dilapidados e abandonados que podem dizer muito interessantes.

Perfure com colunas em Beckton Gasworks

Em 1870, no leste de Londres, a empresa Gas Light and Coke inaugurou uma das maiores fábricas de produção de gás. Em 1970, o trabalho na produção foi finalmente interrompido. Aqui, as cenas de & # 8220James Bond & # 8221 e os clipes do Oasis foram filmados. O próprio Stanley Kubrick usou essas visualizações para o lendário & # 8220Full Metal Jacket & # 8221.

Este lugar tem uma história muito rica. O edifício foi construído em 1880, na altura era um hotel. No século XX, o prédio foi transformado em um clube onde Jimi Hendrix se apresentava regularmente nos anos 60 e 8217. No início do dia dois mil, o clube foi fechado. No entanto, se você acredita nos rumores da cidade, aqui logo haveria um restaurante espanhol.

A Igreja Anglicana de St. Dunstan

Um edifício incrivelmente bonito foi construído em 1382 e fica perto da Torre de Londres. Em 1666, uma parte da igreja foi destruída pelo Grande Incêndio de Londres, mas foi restaurada após 2 anos. No entanto, após os atentados de 1941, pouco resta da igreja.

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Encontrando beleza em lugares inesperados: a coleção de fotografias Wagstaff

Quando Samuel J. Wagstaff Jr. conheceu Robert Mapplethorpe em 1972, ele teve uma atitude bastante desdenhosa em relação à fotografia. À medida que o relacionamento de Wagstaff - como patrono e amante - com o jovem artista se desenvolveu, o ex-curador passou a ver a fotografia como uma forma de arte subestimada. Ele embarcou na missão de se tornar o campeão da fotografia, fazendo sua primeira grande compra - doze impressões do fotógrafo britânico Frederick Evans - em 1973. Ao longo de uma década, Wagstaff usou sua riqueza herdada para reunir uma coleção de 26.754 objetos fotográficos, todos com a intenção de aumentar a proeminência do meio.

O J. Paul Getty Museum adquiriu toda a coleção em 1984, tornando-a uma propriedade fundacional no recém-formado Departamento de Fotografias. A exposição atual The Thrill of the Chase: The Wagstaff Collection of Photography mostra uma seleção da coleção do formador de opinião, apresentando obras de arte da década de 1830 ao final do século 20 de mestres conhecidos e desconhecidos.

Na preparação do catálogo da exposição, o curador associado Paul Martineau respondeu às perguntas da editora do livro, Dinah Berland, sobre o significado da coleção, o apetite estético de seu patrono e alguns de seus muitos destaques visuais.

Dinah Berland: O que torna a coleção Wagstaff tão importante?

Paul Martineau: A coleção Wagstaff é a maior coleção de arte - em qualquer meio - no J. Paul Getty Museum. Ele se estende desde o início experimental da mídia até os anos 1980. A coleção é conhecida pela qualidade e profundidade de seus acervos de obras raras de mestres do século XIX, como William Henry Fox Talbot, Hill & amp Adamson, Gustave Le Gray, Nadar e Julia Margaret Cameron.

Sra. Herbert Duckworth, 1867, Julia Margaret Cameron. Impressão em prata de albumina, 13 3/8 x 9 13/16 pol. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.443.21

Wagstaff tinha um método ou propósito distinto para adquirir novas obras?

A coleção foi montada ao longo de uma década, de 1973 até a primeira metade de 1984. A fotografia era uma forma de arte desvalorizada e na qual Wagstaff achava que poderia ter um impacto. Wagstaff coletou fotos de reconhecidos mestres britânicos, franceses e americanos, bem como de fabricantes desconhecidos. Ele viajava para Londres e Paris regularmente para participar de leilões e muitas vezes vasculhava lojas de segunda mão e mercados de pulgas, voltando para casa com sacolas de compras cheias de gravuras.

Colecionar tornou-se uma obsessão e em poucos anos ele foi considerado um dos mais proeminentes colecionadores de fotos. Wagstaff gostou da atenção que estava recebendo e deu um passo além - ele começou a promover a fotografia como arte, exibindo, publicando e dando palestras sobre seus acervos.

Como selecionou as 147 obras reproduzidas no catálogo da exposição em um campo tão grande de imagens?

Selecionei as obras-primas primeiro e, em seguida, adicionei os objetos e imagens mais incomuns - os daguerreótipos, os cartes-de-visite, os estereógrafos, o álbum de fotos, as fotografias médicas e aquelas de fabricantes desconhecidos. A mesclagem dessas obras foi fundamental para transmitir o caráter único da coleção.

Dalí Atomicus, 1948, Philippe Halsman. Impressão de prata em gelatina, 10 3/4 x 13 9/16 pol. The J. Paul Getty Museum, 84.XP.727.12. © Arquivo Halsman

O que era a estética individual de Wagstaff & # 8217s como colecionador e como ela evoluiu com o tempo?

Wagstaff sentiu-se atraído por fotografias que tinham o poder de estimular sua imaginação. Por exemplo, uma fotografia de uma rua inundada em Lyon por Louis Froissart (1856), uma fotografia de 18.000 soldados em uma formação que representa a Estátua da Liberdade por Mole & amp Thomas (1918) e uma fotografia de uma mulher elegante vestida com um vestido de baile de cetim e uma estola de vison entrando em um prédio por uma porta giratória de Robert Frank (1952) são alimentos para uma mente ávida por contos esotéricos além da moldura. Seu gosto pelo idiossincrático - as imagens que o surpreenderam por nunca as ter visto antes - tornou-se mais pronunciado à medida que sua coleção crescia.

Wagstaff tinha um interesse permanente pela história americana e foi atraído por fotografias da Guerra Civil, povos indígenas americanos e suas tradições culturais e imagens do Oeste americano que foram feitas após a conclusão da Ferrovia Transcontinental em 1869. Outro fio que atravessa a coleção é a do sofrimento e da morte. Isso pode ser sentido na ausência de pessoas no campo de batalha da Guerra da Crimeia de Roger Fenton, Vale da Sombra da Morte (1855), bem como nas flores murchas na base do caule na natureza-morta floral de Frederick H. Hollyer Lírios (1885).

A Grande Onda, Sète, por volta de 1857, Gustave Le Gray. Impressão em prata de albumina, 13 1/2 × 16 1/2 pol. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.637.1

O que você considera estar entre as fotografias ou grupos de fotografias mais destacados da Coleção Wagstaff?

Entre as fotografias mais destacadas da coleção estão as de Gustave Le Gray. Sua árvore de faia é impressionante em seu jogo de luz e sombra, e seus fuzileiros navais são exemplos requintados de impressão composta. Le Gray era relativamente desconhecido quando Wagstaff começou a comprar suas impressões. Wagstaff ficou maravilhado com a forma como ele poderia ter sido esquecido, dizendo: "É como deixar Rembrandt de fora de uma história da arte ocidental!"

Outra categoria de obras notáveis ​​são aquelas de fabricantes desconhecidos. Isso prova que Wagstaff tinha um grande olho e teve a coragem de opor-se a obras de mestres consagrados do meio. Por exemplo, há um retrato em daguerreótipo de sexta placa de uma menina usando um vestido com decote em barco e mangas em formato triangular - suas mãos estão dobradas sobre os antebraços e na cintura em forma de ourobos. Outra é uma fotografia dinâmica de dois boxeadores no ringue - acima deles há uma série de luzes e abaixo uma fila de fotógrafos com suas câmeras prontas para capturar o nocaute. Ambas as imagens são memoráveis ​​de maneiras diferentes, apesar do fato de seus criadores permanecerem desconhecidos.

O que a exposição e o catálogo nos dizem sobre a natureza da coleta de fotografias? A coleção Wagstaff inspirou o J. Paul Getty Museum a adquirir outras obras de arte de fotógrafos específicos?

Wagstaff nos ensinou a olhar além do cânone estabelecido para fotografias de fabricantes desconhecidos ou para aquelas que não foram criadas como arte. Wagstaff afirmou uma vez: “A beleza pode ser encontrada na verdade, ou melhor ainda, em lugares inesperados”. Essa coleção levou o Departamento de Fotografias a adquirir obras de vários artistas. Alguns deles estavam fora do radar, por assim dizer, como Jo Ann Callis, William Garnett e Edmund Teske.

Banhos minerais, Big Sur, Califórnia, 1967, Edmund Teske. Impressão de prata em gelatina, 7 5/8 x 9 7/8 pol. The J. Paul Getty Museum, 84.XM.690.1. © Edmund Teske Archives / Laurence Bump e Nils Vidstrand, 2001

O que os estudiosos e entusiastas da fotografia podem encontrar na coleção geral que pode ser útil ou inspirador?

A coleção - conforme representada no catálogo da exposição - segue o fio da história da fotografia em suas muitas permutações históricas, estéticas e técnicas, desde seu nascimento na década de 1830 até as fotografias contemporâneas criadas no início da década de 1980. Também serve como um retrato complexo da vida, dos tempos e do gosto do homem que o montou.


Elsie Driggs e sua batalha pelas grandes formas

É difícil imaginar que uma artista feminina pudesse ser aconselhada a deixar seu trabalho sem assinatura para evitar prejudicar o dono da galeria, mas para as mulheres artistas da década de 1920, esse não era um problema incomum. Para Elsie Driggs (1898-1992), essa batalha continuaria durante a maior parte de sua carreira.

Nascida em Connecticut, mas criada em Nova York e Filadélfia, Driggs trouxe para suas telas uma sensação de “vivacidade”, seja de suas obras de plantas e flores, paisagens e animais ou dos temas industriais pelos quais se tornou mais conhecida. Certa vez, ela disse: "Quero química - algo aconteça".

Elsie Driggs. Pittsburgh. 1927, Whitney Museum of American Art, Nova York

Uma de suas obras mais famosas é Pittsburgh, de 1927, uma pintura que muitas vezes tem sido associada aos artistas norte-americanos Precisionistas que trouxeram a beleza da paisagem industrial emergente com linhas limpas, forma simplificada e uma influência da estrutura e forma do renascimento. Driggs negou que este trabalho tenha sido inspirado pelos artistas do movimento, mas que sua influência fosse do artista do século 15, Piero della Francesca.

Piero della Francesca, ciclo do afresco da & # 8220Lenda da Santa Cruz & # 8221 no coro de San Francesco em Arezzo, cena: visita da Rainha de Saba perto de Salomão Ano de origem: 1452-1466

Driggs morou na Pensilvânia e jurou voltar para pintar as usinas de aço que dominavam sua paisagem. A tela é dominada pelas quatro chaminés subindo por entre as nuvens finas que ondulam na base da pintura. As diretrizes se cruzam delicadamente entre eles. Os tubos e tanques abaixo contrastam com a rigidez das pilhas. A sutileza da paleta usada adiciona à qualidade etérea e nebulosa deste trabalho.

Ao discutir seus trabalhos baseados nas siderúrgicas e fábricas nas quais ela cresceu, Driggs disse: “Você olhou diretamente ... para essas grandes formas, e eu continuei achando-as lindas e me perguntando por quê. Disse a mim mesmo que não deveria encontrar uma fábrica bonita, mas encontrei. ”

Felizmente, Driggs se recusou a enviar seu trabalho anonimamente para a exposição de 1928 pela Daniel Gallery em Nova York, que incluiu trabalhos de Precisionistas do sexo masculino. Um crítico destacou Driggs superando os artistas masculinos do show: “Feito em pretos fuliginosos e cinzas aveludados, ela teceu sua chaminé de fábrica em um belo padrão, verdadeiro, mas imaginativo.”

Driggs produziu relativamente poucas pinturas deste estilo com Queensborough Bridge (1927) sendo outro exemplo.

Elsie Driggs, Queensborough Bridge 1926, Montclair Art Museum

No entanto, é claro que Drigges produziu obras que mantinham sua convicção de que a beleza poderia ser encontrada em lugares inesperados:


10 lições de liderança de Catarina, a Grande

4 de outubro de 2017. Depois de ler a biografia histórica “Catarina, a Grande: Retrato de uma Mulher”, de Robert K Massie, me senti inspirada a criar uma lista do que acabou sendo dez lições de liderança. Mesmo que não seja uma ideia original, como descobri mais tarde, muito pode ser aprendido com o monarca.

Descrita como inteligente, corajosa e tenaz, Catarina, a Grande (1762 até 1796) não foi apenas amplamente elogiada por seu caráter determinado, gentil e de mente aberta, mas também por seu humor. Ela é a governante feminina por mais tempo do que foi na época o maior império da Terra com 20 milhões de súditos.

1. Personalidade calorosa

Catherine exibiu uma personalidade verdadeiramente calorosa. Cidadã alemã sem nenhuma ligação com a Rússia, foi seu caráter afetuoso que habilmente conquistou o coração do povo russo. A conversão à Igreja Ortodoxa em 1744 e o aprendizado do idioma também tiveram um papel importante em ser aceito como estrangeiro na Rússia, de acordo com Massie.


2. Aprendiz ao longo da vida

Uma vez na Rússia, Catherine aprendeu russo proficiente em apenas um ano. Treinada desde a infância para memorizar e repetir, Catherine tinha uma memória extremamente boa. Ela permaneceu uma leitora ávida de literatura contemporânea por toda a vida. Especialmente de escritores iluministas como Montesquieu, Diderot, a quem ela convidou para conversar por um período de seis meses em sua corte, e Voltaire, cuja biblioteca ela adquiriu.

3. Naturalmente inclinado a fazer perguntas

Com um caráter de mente aberta, Catherine era propensa a fazer perguntas.

4. Grande ouvinte

Ouvindo fofocas de adultos, a jovem Catherine aprendeu genealogia. Mais tarde na vida, essas habilidades de escuta a ajudaram ainda mais a acalmar os oponentes, agindo com prudência e tomando decisões informadas.

5. Não guarde rancores

Ao longo de sua vida, Catherine aprendeu que apoiadores e aliados podem ser encontrados nos lugares mais inesperados. Leva apenas uma pequena mudança nas circunstâncias, para que os melhores interesses de um oponente de repente se alinhem com os seus.

6. Entenda como o mundo funciona

Apesar do que foi descrito como uma "mente de cavalheiro", o espírito amorosamente caloroso de Catherine não a impediu de ver as coisas como elas eram. During her lifetime, Catherine bought allegiance with gifts, money, treaties, conspired to realize de coup, sought expert military and legal advice.

7. You Are Responsible for Your Own Happiness

From a very young age, in face of a loveless marriage and in almost complete isolation, Catherine quickly learned to make her own happiness independent from outside events. Later in life, Catherine had 12 different lovers, her preference falling on men with whom she could discuss intellectual issues and seek advice.

Aware of the chaotic state of Russian legislation, Catherine worked tirelessly to create consistent legislation, even if it was considered too liberal and not realized in the end.

9. Leading by Example

To surpass the initial resistance of nobility and set an example, Catherine let herself be inoculated against chicken-pox.

10. Collecting Art as a Form of PR and Personal Branding

The greatest collector and patron of arts in the history of Europe, Catherine set a cultural mark that would not obliterate over the years, Massie says.

Catherine ordered a monumental public statue of Peter the III Emperor of Russia by French sculptor Falconet. This was a way to establish herself as the rightful descendent of the great monarch, when in fact, there was nothing canonical about her claim to the throne. In addition to generous palace, mansion and garden commissions, Catherine understood the honour and prestige collecting art would bring her. Ships loaded with masterpieces by Rembrandt, Franz Hals, Rubens, Caravaggio, van Dyck, Veronese, Raphael, Titian, Tintoretto, arrived on a monthly basis to Saint Petersburg. The crates would only be opened in the presence of the monarch, who would study the paintings at length.

Catherine The Visionary

According to Massie, Catherine’s legacy has been the modernization of the country, championing the arts and putting Russia on the map of international diplomacy. The monarch furthermore laid the foundations for the Hermitage collection, introduced smallpox inoculations, and made possible the raise of Russian intelligentsia through her reforms in education.

Fascinated with Catherine’s Personality and Achievements? Read these:

Liliana Rodrigues is a global PR & Marketing professional at international design studio Marcel Wanders.* As a passionate communication strategist and influencer, she regularly writes about brands, art and design.

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Image Sources (top to bottom): Catherine II by Fedor Rokotov (1763) © Tretyakov Gallery © Wikipedia UK © Hermitage Gallery


Unique Artistic Expression

Though she felt indebted to the Salon for building her career, Cassatt began to feel increasingly constrained by its inflexible guidelines. No longer concerned with what was fashionable or commercial, she began to experiment artistically. Her new work drew criticism for its bright colors and unflattering accuracy of its subjects. During this time, she drew courage from painter Degas, whose pastels inspired her to press on in her own direction. "I used to go and flatten my nose against that window and absorb all I could of his art," she once wrote to a friend. "It changed my life. I saw art then as I wanted to see it."

Her admiration for Degas would soon blossom into a strong friendship, and Cassatt exhibited 11 of her paintings with the Impressionists in 1879. The show was a huge success both commercially and critically, and similar exhibits were staged in 1880 and 1881. Shortly thereafter marked a dormant period for Cassatt, who was forced to withdraw from the art world to care for her ill mother and sister. Her sister died in 1882, but after her mother regained her health, Cassatt was able to resume painting.

While many of her fellow Impressionists were focused on landscapes and street scenes, Cassatt became famous for her portraits. She was especially drawn to women in everyday domestic settings, especially mothers with their children. But unlike the Madonnas and cherubs of the Renaissance, Cassatt&aposs portraits were unconventional in their direct and honest nature. Commenting in American Artist, Gemma Newman noted that "her constant objective was to achieve force, not sweetness truth, not sentimentality or romance."

Cassatt&aposs painting style continued to evolve away from Impressionism in favor of a simpler, more straightforward approach. Her final exhibition with the Impressionists was in 1886, and she subsequently stopped identifying herself with a particular movement or school. Her experimentation with a variety of techniques often led her to unexpected places. For example, drawing inspiration from Japanese master printmakers, she exhibited a series of colored prints, including Woman Bathing e The Coiffure, in 1891.


Resumo

The 2003 Convention for the Safeguarding of the Intangible Cultural Heritage was adopted by UNESCO to enshrine and preserve exemplars of the intangible heritage of humanity – practices, traditions, and cultural expressions – on a global register. In our view, this convention highlights a tension between the valorization of cultural diversity on one hand and the universal relevance and value of masterpieces of intangible heritage to all humankind on the other. We introduce the term rationalized authenticity to refer to processes by which this tension is mitigated through simultaneous 1) fostering of a diversity of ways that heritage may be expressed or understood and 2) translation into rationalized forms that demonstrate the transnational relevance of cultural heritage. Based on a comparative analysis of three diverse examples of heritage on UNESCO’s list from outside the core of the cultural world system – tango from Argentina and Uruguay, acupuncture and moxibustion from China, and the Kodály concept from Hungary – we show how rationalized authenticity encourages the adoption of alternative definitions of cultural heritage and also facilitates the transnational spread and transformation of select masterpieces of intangible heritage.


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Assista o vídeo: ESTA EMPREGADA NÃO SABIA QUE ESTAVA SENDO FILMADA 2 (Pode 2022).